언어의 전위부대와 보편 언어의 영토

이 논문은 2021년 3월 19일 서울대학교 일본연구소가 주최한 국제학술 심포지엄 에서 같은 제목으로 발표한 원고를 보완한 것이다.이 연구는 최근 쇠퇴기에 접어든 오타쿠 문화와 대조적으로 일본에서 발신되는 서브컬처 담론이 강력한 영향력을 발휘하면서 국제적인 운동으로 전개되고 있다는 사실에 주목한다. 이 글은 이른바 ‘일본 서브컬처담론 운동’이 동아시아에서는 대동아공영권 당시의 위계질서를 재생한다고 판단하고, 담론에 의한 ‘오타쿠 문화 공영권’ 구축이라는 관점으로 그 양상에 접근한다. 즉 이 연구의 목적은 일본 서브컬처 담론이 ‘오타쿠문화 공영권’을 구축하는 방식을 분석하는 것이다. 연구대상으로는 비평가인 오쓰카 에이지가 1987년부터 2021년까지 발표한 담론과 관련 활동을 설정한다. 오쓰카 에이지는 개인적인 동시에 조직적으로 담론 운동을 전개하면서 일본 서브컬처의 영토를 개척하는 ‘전위부대’로서의 위용을 보여 주고 있기 때문이다.이와 같은 관점에서 이 글은 문헌 연구의 방법으로 다음 연구문제를 분석한다. 첫째, 일본 서브컬처 담론 운동을 통해서 오타쿠 문화는 어떻게 예술로 자리 잡는가? 둘째, 오쓰카 에이지가 말하는 동아시아 공공성은 어떤 성격을 지니고 있으며, 일본을 중심으로 하는 정치성은 어떻게 은폐되고 있는가? 셋째, 일련의 담론 안에서 이질적인 요소들, 예를 들어 전후 민주주의적인 요소와 제국주의적 인 요소는 어떻게 연합하고 있는가? 오쓰카 에이지의 담론 활동을 분석한 결과 다음과 같은 결론이 도출되었다. 첫째, 오쓰카 에이지는 주류문화의 언어를 일본 서브컬처로 연결하는 수사법을 구사하는 한편, 서구 예술 사조에 오타쿠 문화를 접목하는 방식을 통해서 일본의 서브컬처 양식을 미학적인 이론으로 확립한다. 둘째, 오쓰카 에이지가 말하는 동아시아 공공성이란 일본 만화의 형식으로서 확립된 ‘이야기 구조’와 ‘몽타주적 망가’를 매개항이자 공통 언어로 삼는 공동체의 문법이며, 일본 만화 형식은 국경을 넘어 역사적인 문제도 극복할 수 있는 보편 언어로 간주된다. 제국의 질서는 공통 언어를 ‘올바르게’ 구사하기 위한 방법론을 생산하고 통제하는 과정에서 재생되며, 이러한 미적 권위로 구축된 일본 중심의 질서는 일본과 이웃나라의 서브컬처에 이중적인 예술관을 적용하는 동시에 중의적인 용어를 사용함으로써 은폐된다. 셋째, 일련의 담론에서 서로 대립하는 가치는 예술의 문맥에서 공존하고 연합한다. 요컨대 오쓰카 에이지는 예술과 접속된 담론 운동을 통해 일본 서브컬처의 새로운 영토를 개척하는 동시에 분절되었던 전전과 전중, 전후의 연속성을 재건하는 것이다. 그가 지휘하는 ‘언어의 전위 부대’는 일본 서브컬처의 형식을 매개로 공공성의 문법을 확립하고, 이를 통해 근대를 재건하고자 한다. 이 과정에서 오쓰카 에이지의 담론은 서구로부터 문화적으로 독립하지만 동아시아와의 관계에서는 제국의 질서를 재생하는 역설에 빠진다Recently, Japanese Otaku culture does not seem to be as popular as it used to be. In contrast, the discourse surrounding Japanese subculture is being developed as a global movement. It was only from the late 1990s onward that the discourse on subculture field was established in Japan in earnest. This study pays attention to the fact that the so - called “Japanese subculture discourse movement” is regenerating the hierarchical order of the Great East Asia Co-Prosperity Sphere. In this article, the phenomenon in which the order of Japanese imperialism is regenerated by the discourse on Japanese subculture is called the Otaku Culture Co-Prosperity Sphere. From this point of view, this paper argues how the Japanese subculture discourse recreates the order of the Great East Asia Co-Prosperity Sphere. This study analyzes the discourses published from 1987 to 2021 by Eiji Otsuka, one of the most influential Japanese critics. This is because Eiji Otsuka shows his leverage as a frontiersman that pioneers the territory of Japanese subculture while conducting the discourse movement both individually and collectively. This study discusses the following research questions by the discourses of Eiji Otsuka. First, how has been Japanese subculture reborn as art through the discourse movement? Secondly, what is the East Asian publicness asserted by Eiji Otsuka? Furthermore, how is the political order centered on Japan concealed in subculture theory? Finally, this paper argues how do democratic thought and imperialism coexist in Eiji Otsuka’s critical discourse? The conclusions are summarized as follows. First, Eiji Otsuka has established Manga form as an aesthetic theory by rhetoric which links mainstream culture to Japanese subculture. He also transforms Japanese subculture into art theory by connecting the Otaku culture to Western arts trends. Secondly, the East Asian publicness that Eiji Otsuka refers to is the order of a community that shares the ‘story structure’ and ‘montage manga form’, in other words cinematic Manga form, as common language. Manga form is regarded as a universal language that can overcome the historical conflicts in East Asia caused by the Empire of Japan. This study also notes that the hierarchical order is regenerated in the process of creating and regulating grammar for Manga form by aesthetic authority. Japanese subculture secured its place of authority through its originality and historical significance. The Japanese-centered order is concealed by dual apparatuses which are ambiguous terms and double standards for art. Thirdly, opposing values such as democracy and imperialism in discourses coexist in the context of art. Eiji Otsuka is a guerrilla who pioneers a new territory for Japanese subculture through a discourse movement. As a result, the segmented period between Japan’s pre-World War II and post war period is reconnected. He intends to systematize the grammar of publicness through the form of Japanese subculture. For Eiji Otsuka, the publicness means modern project to be accomplished. Eiji Otsuka achieves cultural independence from the West through the subculture discourse movement. However, in relations with East Asia, he falls into the paradox of regenerating the order of the empire.이 논문은 2019년 대한민국 교육부와 한국연구재단의 지원을 받아 수행된 연구임(NRF-2019S1A6A3A02102886)

Combination of Otaku Culture and Japanese Art: Restoration of War Memories beyond Taboos

이 연구는 오타쿠 문화와 일본 현대미술이 1990년대 중반부터 2000년대에 밀접한 관계를 맺었던 상황에 주목하고 다음과 같은 연구문제를 설정한다. 첫째, 오타쿠 문화는 무엇이었으며, 일본미술과 오타쿠 문화는 어떠한 관계를 맺었는가? 둘째, 일본미술과 오타쿠 문화가 융합함으로써 무엇이 가능해졌으며, 무엇이 가려졌는가? 셋째, 오타쿠 문화와 일본미술의 공통점과 차이점은 무엇인가? 이상의 연구문제를 해명하기 위해 이 논문은 친밀권과 공공권의 개념을 도입하여 오타쿠 문화와 일본미술을 논한다. 일본미술이 근대국가의 출범과 함께 공공권으로서 사회에 모습을 드러냈다면, 오타쿠 문화는 사적인 친밀권으로 출발했다. 전후 일본의 토양에서 성장한 오타쿠 문화는 1990년대 중반부터 세계적인 주목을 받았다. 흥미로운 사실은 이 시기에 일군의 일본 현대미술 작가들이 오타쿠 문화를 모방했다는 사실이다. 대표적으로 무라카미 다카시와 아이다 마코토는 오타쿠 문화적 표현 양식을 도입함으로써 국제 사회의 관심을 받았다. 20세기 후반에 등장한 이러한 일본미술의 특징은 단지 몇몇 작가의 경향으로 해석되지 않고 일본 현대미술의 특징으로 간주되었다. 두 분야의 결합은 언뜻 미국의 팝아트를 떠올리게 하지만, 전혀 다른 문맥에서 해석이 가능하다. 일본 현대미술은 오타쿠 문화와 결합함으로써 마이너리티라는 정치적인 위상과 국제적인 영향력을 공유할 수 있었기 때문이다. 두 분야가 만나면서 마이너리티로서 일본의 위상이 강조되었고, 그로 인해 원폭 피해를 입은 일본의 과거가 부각되었다. 한편 오타쿠 문화와 일본미술이 연합함으로써 가려진 부분도 있다. 바로 전범국가로서의 과거이다. 일본미술은 오타쿠 문화와 연대함으로써 패전 후 금기되었던 전쟁화를 동시대에 되살릴 수 있었다. 이 연구는 패전 후 금기되었던 아시아 태평양 전쟁의 이념과 용어를 오타쿠 문화가 보존하고 발전시켜왔다는 점에 주목한다. 일본미술은 20세기 후반에 오타쿠 문화를 모방하면서, 전쟁화는 물론 아시아 태평양 전쟁의 이념과 용어와 같은 금기를 깨트릴 수 있었다. 일본미술과 오타쿠 문화는 20세기 후반에 연합하여 전후 일본을 재구성한 것이다.Otaku culture and Japanese contemporary art had interacted with each other since the mid- 1990s to the 2000s. It could be said that Japanese art affected by Otaku culture is similar to American pop art, but in different contexts. From this point of view, this paper investigates the following research problems. First, what was the relationship between Japanese contemporary art and Otaku culture? Second, what has been emphasized or hidden by the association of Japanese contemporary art and Otaku culture? Third, what are the similarities and differences between Otaku culture and Japanese contemporary art? This study explores these research problems from the perspective of public sphere and intimate sphere. It is well known that the concept of Japanese art was invented with the establishment of the nation-state in the 19th century. Japanese art has functioned as a high culture. People have shared their own opinion about social issues in the field of art. In this respect, Japanese art can be regarded as a public sphere. On the other hand, Otaku culture has formed as an intimate sphere. Anonymous Otaku have enjoyed their own private taste in their communities. While art has played a social role as a public sphere, Otaku has been strongly criticized as a weird group. Interestingly, however, Otaku culture has gained popularity overseas since the mid- 1990s. Some Japanese artists, such as Takashi Murakami and Makoto Aida, have imitated Otaku culture since then. They were recognized as a representative of Japanese contemporary art. By combining with Otaku culture, Japanese contemporary art was able to share not only its political stature but also its international influence. Japanese art was able to send political messages as a minority on the world stage. Japanese contemporary art which associated with Otaku culture has highlighted Japans past suffering from the atomic bomb damage. At the same time, Japans past as a war criminal state has become invisible. In fact, Japanese art revived war paintings which were tabooed since 1945. Otaku culture has preserved and developed imperial Japanese ideology, terminology and visual style in fictional universes. It also preserved social taboos in an intimate sphere such as imperialism or fascism. By combining with Otaku culture, Japanese contemporary art has represented the memory of the Japanese Empire in a public sphere. In this sense, Otaku culture and Japanese contemporary art have reconstructed postwar Japan.이 논문은 2019년도 서울대학교 일본연구소 일본학연구지원사업의 지원을 받아 수행되었음

Scientific Imagination in Japanese Animation: The Story about the Extension of Human Being

김일림(金日林) 한국예술종합학교 애니메이션과 강사. 도쿄예술대학에서 미학 전공으로 박사학 위를 취득했다. 논문으로 「사상으로서의 애니메이션: 한일 애니메이션 명칭으로 보는 예술의 정 치학」(『일본연구』 35집, 2013.8.15), 「1990년대 한국 대중문화 담론 속의 일본: 긍정적 일본 이미 지의 형성 구조」(『일본연구』 37집, 2014.8.15) 등이 있으며, 역서로 오타베 다네히사의 『예술의 역 설: 근대 미학의 성립』(돌베개, 2011)과 『서양미학사』(돌베개, 근간 예정)가 있다.이 연구는 대중문화의 상상력이 압축된 장으로서 일본 애니메이션에 주목하고, 과학적 활동으로서 이 장르가 수행해온 역할을 분석한 것이다. 구체적으로는 과학적 상상력을 기반으로 전개된 일본 애니메이션을 세 가지 기준으로 분류하고, 각 분류체계에서 인간의 경계가 확장되는 방식을 고찰 했다. 이 글이 주목한 것은 인간의 개입에 의해 탄생한 세 종류의 인공체다. 즉 비유기체로 구성된 자동장치인 로봇, 인간과 기계를 결합한 사이보그, 유전자와 세포 융합 등으로 만들어지는 제3의 생명체가 그것이다. 아울러 논의의 출발점인 인간은 정의하지 않고 열린 존재로 규정하되, 기준이 되는 경계는 생물의 분류체계 및 심신이원론에 따랐다. 이러한 연구방법으로 이 글은 (1) 인공체의 위상 변화, (2) 인간과 인공체의 관계 구축 방식, (3) 자연과 인간, 인공체의 관계 변화를 구체적으 로 살폈다. 이 과정에서 인공체가 인간을 대체하는 도구에서 감성에 호소하는 상징으로 위상을 바 꾸어온 경위가 드러난다. 근대의 예술 개념에서 중요한 역할을 한 오리지널과 모방의 개념이 인 공체의 탄생과 정착, 위상 변화에도 결정적으로 작용했다. 일본 애니메이션 속의 인공체는 인간을 비추는 거울이자 인간 중심의 세계관을 벗어나는 상징 물로서, 현대 과학이 당면한 쟁점을 보여주었다. 일련의 인공체는 당대의 과학적 상상력이 형상화 된 결정체이며, 과학적 상상력을 주도하는 매개물이다. 일본 애니메이션의 과학적 상상력은 인간 중심주의적인 세계관으로는 더는 이 세계가 지속될 수 없음을 보여준다. 그러나 인간이 인간 중심 의 신화에서 벗어나는 방법은, 역설적으로 인간 중심의 이야기 문법을 활용하는 방식으로 귀결된 다. 이 글은 과학적 활동의 양가적인 측면에 주목하면서, 일본 애니메이션이 인간의 경계를 확장 해온 양상을 메타적으로 고찰한 점에서 의의가 있다.In this paper I analyze the role of Japanese animation has played as a scientific activity, functioning as a concentrated field of subcultural imagination. Specifically, I classify diverse Japanese animations into three categories based on their scientific imagination and examine how the concept of human being extends in each category. Furthermore, I focus on three kinds of artificial existence created by human interventions: a robot, which is an automatic device consists of non-organism, secondly, a cyborg made by combining human and machine, and finally, a third-kind creature produced through genetic inheritance and cell fusion. Moreover, I clarify that the criteria of being human is based on biological classification and the notion of mind-body dualism. Artificial existence will be examined from following three perspectives: (1) an epistemological phase shift; (2) changes in its relations with human being; (3) its correlation with nature and humanity. The examination process reveals a huge change in artificial characterization, and that is it had transferred from being a tool as a substitute for human beings to a symbol, which can appeal to emotion. In addition, the concept of original and copy, which has played an important role in the modern art, has also played a crucial part in the process of birth, settlement, and phase changes in artificial existence. As a mirror reflecting behaviors of human beings and as well as a symbol allowing us to escape from the human-centered world view, artificial characters in Japanese animation were introduced and demonstrated controversial issues facing modern science. A series of artificial figures featured in various animation productions is not just the crystallized form of scientific imaginations of the day, but it is also the mediator of such creative efforts. Japanese animations prove that this world cannot be sustained simply by an anthropocentric view. Ironically, however, the means of escaping from the myth of human centricity is in the use of human-centered narrative structure. This paper holds its significance on the manner in which it examines the way of Japanese animations extending their boundaries of human beings into a meta-cognitive perspective, while also focusing on the ambivalent aspect of scientific pursuits.이 논문은 2014년 정부(교육부)의 재원으로 한국연구재단의 지원을 받아 수행된 연구임(NRF-2014S1A5B5A07040872